我们是在出售梦想，而不是出售服装

1862年， 当法国人约瑟夫·尼埃普斯在经过了八小时的曝光后，得到第一幅永久性照片时，摄影便开始了它融入人类生活的旅程。有人曾用“把日常生活中稍纵即逝的事物转化为不朽的视觉图像”来形容摄影，而当光线、构图的美和摄影家的心灵情感凝结一起时，所呈现的图像便带有无尽的“力量”。

安塞尔·亚当斯作品

摄影师安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）将他对大自然的爱融入在摄影中，并将摄影看做“现实的一首燃烧着的诗歌”,这些照片使得他游说支持加州国王峡谷地区的保护法案成功，并也引起了美国人对保护国家野生环境的重视。而阿瑟.萨瑟（Arthur Sasse）通过一张“吐舌头的爱因斯坦”改变了历史上对于爱因斯坦的看法，赋予一个仅以才智著称的“天才”以人情味。

阿瑟.萨瑟作品

随着时代的发展，摄影也有了越来越多的种类。19世纪末，时尚摄影作为一种新兴的艺术形式出现，将时尚美学和流行感运用于艺术照片中，并且跟随着社会风潮不断变化发展。

lady gaga为supreme拍摄的广告

时尚哲学研究代表人物齐奥尔格·西美尔将时尚定义为“既定模式的模仿，满足变化、多样性、个性化的要求”。而对时尚的追求也恰恰是人们内心对于某种生活品味、理念和理想状态的向往。当Supreme把Lady Gaga作为拍摄模特时，便暗示着产品与Lady Gaga的生活态度和行为理念产生着某种微妙的联系。

欧文·佩恩

正如著名时尚摄影家欧文·佩恩（Irving Penn）所说，“我们是在出售梦想，而不是出售服装”，时尚引领的更多是观念而非单纯的外部形式，这也是当今时尚摄影观念性表现形式增多的重要原因之一。在艺术各个门类逐渐交融时，摄影则变为一种媒介联结图像与生活，时尚摄影开始充当时尚艺术与日常生活的纽带，也引领着大众的“梦想”。

vogue杂志

“入时：康泰纳仕百年摄影展“便通过康泰纳仕集团旗下包括 Vogue、Vanity Fair、Glamour 和 Love 等多本时尚杂志上超过 100 年的历史照片对时尚摄影所具备的力量给出了诠释，在展览介绍中写道：“康泰纳仕清楚地意识到摄影的潜能，并开始通过定义现代女性的身份认同和风格来培养公众品味”。

霍斯特作品1

霍斯特·P·霍斯特（Horst P Horst）是20世纪30年代Vogue美国版具有代表性的时尚摄影师，先后与Vionnet、Chanel、Alix和Balenciaga等合作。他将希腊雕塑和古典绘画运用在时装摄影中，突出人体的美感，并用光线将人与衣完美融合。摄影师对人体手、脚、背部等细节的极致考究和强烈的明暗对比使得画面富有张力，勾起人们对某种完美胴体的幻想，画面所展现的人体和服装都充满着强烈的诱惑力。

霍斯特作品2

霍斯特作品3

在拍摄美容大片时，他将女性热衷的美容场景注入梦幻诗意的语言，赋予女性对自己所理想的美好生活状态和场景的向往。

作为20世纪40年代的代表，欧文·布鲁门菲尔德（Erwin Blumenfield）是20世纪时尚界薪酬最高的摄影师，其作品深受达达主义的影响。超现实的抽象、变形和不同寻常的构图使画面具有强烈的冲击力。在一张极具代表性的摄影作品中，模特的面容被消除，只留下在那个时代具有鲜明代表性的红唇、眼睛和美人痣，却依旧表现出整张脸的神情和背后的性格特性，这些元素仿佛变成特定的符号，有力的浓缩了某种时代特征。

欧文·布鲁门菲尔德作品1

在1944年11月美国版Vogue的封面摄影中，欧文·布鲁门菲尔德将女人脸与一个男性侧影结合，他对拍摄阐述道：“女人的一边脸是男人的影子，即使这个男人远在大洋彼岸，他的存在仍让她心存温暖，在他未归来的日子里，她是美的守护神。”抽象拼接的摄影画面在造成视觉冲击的背后，更多的是在战争时安慰温暖的正面讯息和美的力量。

欧文·布鲁门菲尔德作品2

在展览中，不同时代的时尚摄影家们拥有着自身独特的风格，并从不同角度传递着那个时代信息。从最初展现美好生活场面的摄影画面到二战期间因需要展示女性独立个性所运用的超现实主义艺术风格，再到战后恢复期的反思和对美好的向往所呈现出的深刻主题，每位摄影师用他们的方式在画面中凝聚出力量，追随并引领着大众的内心情感与幻想。

迪波拉·特布维尔《Vogue》

约翰·罗林斯《Vogue》

当时尚摄影在社会背景和文化思潮中寻找灵感时，带给人们的就不仅仅限于视觉上的冲击，它给予欲望以出口，关照内心与情感，并留下种种期许与向往。人类对“美“的追求从未停止过，因为它是一种无利害的自由的愉悦，而当时尚摄影连接了生活与美，便带来源源不断的改变与追求的动力。